BIOGRAFIA
Sendai, capital de la prefectura de Miyagi, Japón, 19 de agosto de 1914 – Tokyo, Japón, 15 de octubre de 1955 (41 años)
Fumio Hayasaka (早坂 文雄), fue un compositor japonés de música clásica que ocupa un lugar importante en la historia de la música cinematográfica nipona de la posguerra. Su biografía combina la formación y la actividad como compositor de concierto con una producción cinematográfica excepcionalmente influyente. En apenas una década fue el artífice sonoro de títulos que hoy se consideran clásicos mundiales del cine japonés, colaborando con los más grandes maestros de su país, como Akira Kurosawa y Kenji Mizoguchi.
Fumio nació en el seno de una familia con raíces en la comarca de Miyagi; sus padres fueron Junnosuke Hayasaka y Fumie. Durante su infancia (la familia se trasladó a Sapporo en 1918), Hayasaka mostró precoz interés por las artes plásticas y la música, aunque su entorno familiar no era estrictamente musical: el padre practicaba la pintura japonesa y la familia había perdido parte de su antiguo patrimonio rural.
A los 15 años Hayasaka ya pensó dedicarse a las artes; sin embargo, circunstancias familiares difíciles —la marcha del padre y la muerte de su madre cuando él era adolescente— le obligaron a incorporarse al mundo laboral y a posponer estudios superiores. Asistió a la escuela secundaria en Hokkai (Hokkai Gakuen) en Sapporo, donde entabló amistad con otro joven compositor, Akira Ifukube; esa relación sería importante en sus primeros pasos hacia la composición.
Aunque su educación formal superior quedó truncada en la adolescencia, Hayasaka continuó formándose de manera autodidacta y, ya en Tokyo, estudió con figuras de la música contemporánea que le abrieron al lenguaje sinfónico moderno. Entre sus contactos docentes figura el compositor Alexander Tcherepnin, con quien tuvo vínculos en Tokyo.
En los años treinta ganó varios premios por obras de concierto: piezas para piano y orquesta —entre ellas composiciones como Nocturne (1936) y la orquestal Ancient Dance / Kodai no bukyoku (1938)— que mostraron desde sus comienzos una síntesis entre sonoridades occidentales y materiales melódicos y tímbricos japoneses.
En 1933, todavía muy joven, fue cofundador junto a Ifukube de la llamada New Music League, asociación dedicada a la promoción de música contemporánea en Japón. Este activismo explica su temprana reputación en el circuito de la música moderna japonesa. Estos hitos ayudan a entender por qué, cuando pasó al cine, lo hizo como un compositor con sólida experiencia de concierto.
El traslado a Tokio consolidó su inserción en la industria fílmica: su primer encargo en el cine llegó a finales de los años treinta y, tras la guerra, su actividad como compositor de bandas sonoras se intensificó. Desde finales de la década de 1940 Hayasaka trabajó con los principales estudios (entre ellos Toho) y con directores que requerían un tratamiento musical sofisticado; su capacidad para transponer técnicas orquestales a la dramaturgia cinematográfica le convirtió en la referencia más solicitada del momento.
En 1948 compuso la música para El ángel ebrio (Yoidore tenshi), inicio de su célebre colaboración con Akira Kurosawa; a partir de ahí firmó partituras para películas fundamentales como El perro rabioso (1949), Escándalo (Shûbun, 1950), Rashomon (1950), El idiota (Hakuchi, 1951), Vivir (Ikiru, 1952), Los siete samuráis (Shichinin no samurai, 1954), y Crónica de un ser vivo (Ikimono no kiroku, 1955).
Paralelamente trabajó con Kenji Mizoguchi en títulos decisivos como El retrato de madame Yuki (Yuki fujin ezu, 1950), Cuentos de la luna pálida (Ugetsu monogatari, 1953), El intendente Sansho (Sanshô dayû, 1954) y Los amantes crucificados (Chikamatsu monogatari, 1954). La manera en que Hayasaka entendió la música cinematográfica —como contrapunto dramático, no meramente ilustrativo— influyó de manera profunda en la estética sonora de esos directores.
En las partituras para cine Hayasaka aplicó recursos heredados de la música de concierto (orquestación refinada, empleo de leitmotivs cuando la situación dramática lo pedía) y simultáneamente incorporó elementos de la música tradicional japonesa (el gagaku, la biwa, el shakuhachi) y de fuentes modernas (citas tímbricas impresionistas, texturas atonales, incluso rastros de jazz en ciertos pasajes de cámara).
Además de bandas sonoras, Hayasaka mantuvo una producción concertística sostenida: obras orquestales (como la ya mencionada, Danse Ancienne / Ancient Dance, 1938), piezas para piano (colecciones de 17 piano pieces y obras camerísticas), y composiciones sinfónicas que exploran materiales folclóricos y modos japoneses. Su lenguaje musical se sitúa entre el neorromanticismo, las exploraciones impresionistas y el modernismo nacionalista.
Su legado académico-musical influyó en generaciones posteriores de compositores japoneses interesados en la hibridación entre tradición y modernidad. La carrera de Hayasaka se truncó prematuramente por la tuberculosis; murió en Tokio el 15 de octubre de 1955. En los últimos años de su vida siguió componiendo intensamente para el cine y dejó a discípulos y colegas (entre ellos Masaru Satō y, por influencia indirecta, figuras como Tōru Takemitsu) que continuarían desarrollando la estética de la música cinematográfica japonesa.
Su obra se recuerda por la calidad de la orquestación, la conciencia de cómo la música puede operar como fuerza narrativo-visual y por la fusión —nunca complaciente— entre recursos occidentales y sensibles modos japoneses. Las partituras que compuso para Rashomon (1950), Ikiru (1952), Ugetsu (1953) y Seven Samurai (1954), entre otras, permanecen como referentes históricos y pedagógicos para estudios de música de cine y musicología japonesa.
Eduardo J. Manola - 21 de agosto de 2020
