El cómico José Mota hace su presentación en el cine como director y actor protagonista en Arriba Tutto (2026), una historia que combina la comedia con el drama de la guerra. La banda sonora se le confió a la compositora murciana Alicia Morote, cuyo trabajo analizamos en profundidad en este artículo.
BSO REVIEW
ARRIBA TUTTO (2026)
Música compuesta por Alicia Morote
El popular humorista José Mota ha optado, para su salto a la gran pantalla, por rendir tributo a su oficio, el de provocar risa, homenajeando de paso a aquellos que trataron de llevarla a los más recónditos e insospechados lugares, motivo por el cual inicia su historia a principios de siglo, en 1905, a las afueras de Toledo, durante un número músico-teatral protagonizado entre un padre, interpretado por Karra Elejalde, y su pequeño hijo, Michi, que encarna con espontaneidad el niño Pablo Cabello, quienes remiten claramente a los protagonistas de El Viaje a Ninguna Parte, la obra maestra que firmara el gran Fernando Fernán-Gómez en 1987, para pasar más tarde a los momentos finales de la Guerra Civil, en 1939 (todavía habrá un tercer acto ubicado en 1941), momento en el que toma fuerza la referencia a esa arriesgada y exitosa película que fue La Vida Es Bella, interpretada y dirigida por el cómico italiano, Roberto Begnini, en 1998.
De hecho, el título de la película, que replica el lema que pregona como estilo de vida Elejalde, se inspira claramente en el que Begnini lanzaba en su película a la menor ocasión (“Buongiorno Principessa”, en el italiano original), una declaración de amor dedicada a la madre de su hijo, de la que estaba perdidamente enamorado, que aquí es sustituido por otra clase de amor, el dedicado a ese “humorismo” que pregona Elejalde y que trata de transmitir a Michi, que más tarde su encarnación futura, interpretada ya por Mota, perdida su inocencia (y su humor), volverá a recuperar gracias a la “aparición” de su yo infantil.
Visto el tráiler promocional meses atrás, las referencias parecían muy claras y premonitorias, como al final se ha confirmado vista la película, y aunque son dos títulos mayúsculos de la historia cinematográfica relativamente reciente, cabe indicar ya de entrada que lo que podía haber sido una vuelta de tuerca (en el mejor sentido de la expresión) a aquellas dos magníficas películas, se queda en un entretenimiento bienintencionado y poco más, pues en demasiadas ocasiones la película semeja la puesta en escena de algún gag televisivo marca de la casa (especialmente a partir de la mitad del metraje), que en los últimos años ha ido ganado popularidad como prólogo televisivo a la Nochebuena navideña en la televisión pública española.
No obstante, cabe destacar que el extenso prólogo del relato principal (con una duración alrededor de la media hora), en la que se presenta a Errejalde a modo de una especie de Quijote defensor del ya indicado “humorismo”, bien secundado en la interpretación por el niño Cabello, quien no carece de empatía con la cámara pese a su corta edad, no carece en absoluto de interés, si bien el desarrollo posterior, que resulta imaginativo sobre el papel, acaba por carecer de verosimilitud, dados los citados gags de factura televisiva que tanta popularidad le han reportado a Mota (caso de su parodia del cineasta fascista italiano, un pobre remedo del legendario monólogo con el que Charles Chaplin parodiara al dictador nazi Hitler en El Gran Dictador, 1940).
Para esta historia de un tiempo (principios de siglo XX, que todavía semejan los de la segunda mitad del anterior, el XIX) y otro (ya en la Guerra Civil y la inmediata posguerra, adentrados en el XX), con historia de amor de por medio, se cuenta con la compositora Alicia Morote, joven artista que ya cuenta con experiencia en el mundo audiovisual, aunque todavía incipiente (y que tuve el honor y el placer de entrevistar recientemente para la sección de Compositores Emergentes de esta web), quien acepta este difícil envite musical que presentaba a priori no pocos obstáculos, pues el planteamiento no solo buscaba relatar acontecimientos de épocas diferentes, sino también rendir tributo al mundo musical de principios del siglo pasado, toda vez que generar un desarrollo narrativo en una historia que evoluciona a lo largo de unas tres décadas inserta en un contexto popular.
Morote sale excepcionalmente bien librada de su tarea de elaborar en un todo coherente esta amalgama musical que aúna tradición, melodías populares y música incidental, algo que el aficionado puede comprobar en el álbum digital recientemente presentado en las diversas plataformas, dado que en la película su planteamiento de fundir la música original con las raíces populares del relato, que es aquello que marca el tono de su maravilloso y retentivo tema central, queda un tanto desdibujado debido a decisiones cuestionables, bien de parte de la producción o del mismo realizador, Mota, puesto que la riqueza temática que propone la compositora no acaba de cobrar todo su sentido narrativo debido al empleo de otros temas ajenos encajados de manera un tanto forzada en el cuerpo narrativo, como a continuación se analizará.
Arriba Tutto – «Cabecera» – music by Alicia Morote
Así, el tema central (“Arriba Tutto (Caballero de la Comedia)”), con la mandolina de protagonista especial al objeto de ofrecer una sonoridad exótica pero reconocible a su vez, se antoja una idea acertadísima (más si es interpretada, al igual que la guitarra española, por un solista de la talla de Javi de Carmen) como lo es la melodía, provista de ciertos toques que remiten a la famosísima que el italiano Nicola Piovani compusiera para la citada La Vida Es Bella (ganadora del Oscar a la mejor partitura), ambas hermanadas más que por semejanzas musicales entre sí, por sus comunes reminiscencias circenses y populares, en la línea que caracterizara al gran Nino Rota.
Es el leiv-motiv central sobre el que pivota la estructura de la partitura, pero en absoluto el único, pues el inicio (“Cabecera”) ya viene marcado por otro tema principal, de características más épicas (con una brillante y sutil introducción de la citada mandolina y un desarrollo orquestal espléndido a cargo de la Bratislava Symphony Orchestra, bajo la batuta del habitual y experimentado David Hernando Rico), que rinde tributo al “Humorismo”, en calidad de concepto que fundamenta la base de la existencia de los protagonistas, contemplado desde una perspectiva evocadora y que cobra su máximo desarrollo en la dramática coda final (“Nariz de Payaso”), enlazando principio y final de una manera brillante y coherente.
Al menos sobre el papel, porque como decimos, algunas decisiones se antojan harto cuestionables cual es precisamente la relación amorosa iniciada en la infancia por Michi y Conchita (interpretada por Mila Borràs), y que tendrá su desarrollo tres décadas más tarde, en el estertor de la contienda civil, con el reencuentro de los dos protagonistas ya adultos, pues para ese primer e inocente amor, la compositora murciana propone un bello y lírico tema (“Michi y Conchita en el Cine”), muy homogéneo en estilo y forma con el central.
Sin embargo, tras el final del prólogo fílmico (“Te Espero en París”, en donde vuelve a aparecer), ese bello tema de amor acaba por ser sustituido por otro de talante diferente (que no es otro que el titulado “El Día de Ayer”, perteneciente al álbum Queridos Todos, que no guarda relación alguna con la película), debido al compositor David Catá, habitual colaborador de los programas navideños de Mota, como tema de amor “adulto” entre el protagonista y María (pues al llamarse María Concepción, ha dejado ya el diminutivo Conchita de lado, encarnada ahora por Olivia Molina). Además, es el tema que va a protagonizar el dramático final, subvirtiendo las intenciones de la compositora principal, ya que está en franca oposición al estilo de lo escuchado en la partitura hasta ese momento, y que aunque no esté exento de calidad (nadie discute eso), nada tiene que ver estética y formalmente con el cuerpo de la narración musical.
Es una opción que hace zozobrar la propuesta de la compositora, pues esa secuencia final demanda la participación del tema central con los pertinentes arreglos dramáticos, al objeto de dotar de la coherencia necesaria al relato, simbolizando el sacrificio y entrega del amor a la amada, pero también la evocación del recuerdo al padre, a quien el protagonista que interpreta Mota, tanto debe. Es de tal incoherencia que por momentos, a pesar de los arreglos orquestales que Morote se ve obligada a realizar para tratar de acoplarlo (que no se incluyen en el álbum presentado por la autora con su música y que tan solo se escuchan en el filme), acaba por sacar al espectador del relato. Ante semejante situación, cabe imaginar la desesperación de la compositora por semejantes y desconsideradas decisiones hacia su trabajo, limitado de este modo a poco más que una mera aportación de carácter técnico, cuando su visión cinematográfico-musical se antoja fundamental en un relato de estas proporciones.
Desesperación que seguramente ya debió ser mayúscula al verse obligada a ofrecer una treintena de versiones diferentes del tema central hasta conseguir convencer al realizador, tal como confesaba en la entrevista antes citada, y que la autora, de manera profesional, no desvela si coincide o no con su principal preferencia. Como sea, es un tema retentivo y tremendamente adecuado, capaz de ir contra la moda de propuestas atmosféricas que no acaparen la atención del espectador ante las imágenes, algo que parece ser la demanda mayoritaria hoy en día, dada la preocupación de los realizadores por tratar de enganchar al respetable con sus narraciones sin mediar lo que parecen considerar interferencias musicales. En este sentido, cabe alabar la decisión de Mota de ir a contracorriente, porque el cine está últimamente demasiado huérfano de melodías, por mucho que los conceptos y la construcción narrativa cinematográfica hayan evolucionado en las últimas décadas.
Pero la compositora no se detiene en estos tres temas, y ofrece otro más de características bufas con el que desarrollar determinadas secuencias de humor (que en parte recuerda aquellas maneras del genial Henry Mancini, cuando se ocupaba del inefable Inspector Clouseau que encarnara Peter Sellers en la gran pantalla), que en la segunda parte fílmica se proponen en abundancia (caso de “Caminando por el Pasillo”, “Saliendo del Cuartel”, y “Sigue Practicando”), pero que beben del prólogo fílmico, cuando Michi trata de obtener los tres pelos del diablo durante el velatorio del alcalde, de quien escucha fue un demonio en vida, y que supuestamente le proporcionarán, según las supersticiones escuchadas, la atención de su amada Conchita (“Funeral del Alcalde”).
Si a ello se añaden varias canciones originales o adaptadas de neta raíz popular, caso de la original “El Italiano Inventado”, que cantan Elejalde y Cabello, con letra de Chema Lorite, o la también la original “La Pulga”, que abre el relato a su cuerpo central, cuando la acción ya se sitúa en 1939, también con letra de Lorite, por no mencionar la adaptación de la popular “Funiculi, Funiculà”, canción napolitana (debida a Luigi Denza, con letra de Giuseppe “Peppino” Turco), transmutada en “El Gozo de la Libertad”, que interpretan al inicio (y también al final) el padre y el hijo, además del tema a la pianola que ilustra la película muda que Michi y Conchita están viendo en el cine (“Los Tres Pelos del Diablo”), tenemos un trabajo de ambientación y fusión espléndido, merecedor del mayor de los elogios.
Arriba Tutto – «Saliendo del cuartel» – music by Alicia Morote
Arriba Tutto – «Canto de los que quedan» – music by Alicia Morote – perf. by Rozalén
Como colofón, cabe señalar la canción “Canto de los que Quedan”, también original de Morote, que interpreta Rozalén, y que actúa como puente emocional entre la dura realidad de la guerra y el paraíso perdido que significó la infancia del protagonista, además de convertirse en la voz alzada contra la opresión del silencio, ante el cual solo cabe gritar la verdad, como reza la letra de la canción, toda vez que homenajea a aquellos que supieron sobrevivir al paisaje de la desolación, contrastado entre las penas de los derrotados, a saber, las sufridas madres y los abatidos ancianos, y la inocencia de los juegos de los niños entre las ruinas y la miseria.
Una banda sonora muy completa y elaborada en todos sus frentes, maltratada en parte por los máximos responsables del proyecto, que acaba por semejar un pastiche cuando el interesado se asoma a la película, y que en una escucha aislada, cobra todo su sentido y esplendor. Un auténtico soplo de aire fresco que merecería la atención y el reconocimiento en forma de nominación a los Goya, tanto por su música como por su canción, aunque no sea este el objetivo del trabajo de la compositora. El cine y su música, en este caso espléndida, no nacieron para competir, sino para exhibirse y llegar al público. Pero a nadie le amarga un dulce… Que tomen nota los buenos aficionados.
Frederic Torres, 8 de noviembre de 2026
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