Hay canciones que terminan perteneciendo a una película aunque nacieran muchos años antes de que alguien imaginara utilizarlas en una pantalla. Es lo que sucedió con «You Can Leave Your Hat On», compuesta por Randy Newman (que se haría mundialmente conocido por sus partituras y canciones creadas para superéxitos como Toy Story y Monsters Inc.) que, gracias a la interpretación de Joe Cocker y a una de las secuencias más célebres de 9 semanas y media (1986), terminó convirtiéndose en un auténtico himno a la sensualidad cinematográfica.
«You Can Leave Your Hat On»
9 ½ WEEKS (1986) - 9 SEMANAS Y MEDIA
Randy Newman, Joe Cocker y el striptease que convirtió una canción en un mito erótico del cine
por Eduardo J. Manola
«You Can Leave Your Hat On» – music by Randy Newman – perf. by Joe Cocker
Originalmente escondía una buena dosis de ironía y humor, pero terminó adquiriendo una dimensión erótica que su propio autor nunca había previsto del todo. La historia de «You Can Leave Your Hat On» tiene varios protagonistas: un compositor estadounidense especializado en retratar personajes imperfectos, un cantante británico de voz desgarrada, una película que revolucionó la representación del erotismo en el cine comercial de los ochenta y una discográfica que inicialmente no quiso saber nada del proyecto.
«You Can Leave Your Hat On» fue escrita por Randy Newman y apareció originalmente en 1972 en Sail Away, su tercer álbum de estudio, publicado por Reprise Records. Newman era ya entonces un compositor singular dentro del panorama estadounidense. Pianista, cantante y autor de canciones caracterizadas por su agudeza narrativa, tenía una especial habilidad para escribir desde el punto de vista de personajes desagradables, ridículos, arrogantes o moralmente cuestionables. Su procedimiento consistía en adoptar una personalidad ajena y dejar que esta se retratase a sí misma a través de sus propias palabras.
Esta característica resulta fundamental para comprender «You Can Leave Your Hat On», que a primera escucha parece una invitación directa a un encuentro sexual: un hombre le pide a una mujer que vaya desprendiéndose lentamente de su ropa, mientras le indica dónde debe colocarse y qué movimientos debe realizar. La única prenda que puede conservar es el sombrero.
Sin embargo, la intención original de Newman no era exactamente la que terminaría imponiéndose en el imaginario popular. En una entrevista concedida a Terry Gross para el programa Fresh Air, de NPR, el compositor explicó que había concebido al protagonista de la canción como un individuo bastante ridículo, un seductor poco convincente, algo patético, que intenta representar el papel de un gran amante, y esa actitud podía resultar más cómica que irresistible. Su intención era que el público se riera de él, no que lo considerase un modelo de sofisticación sexual.
«You Can Leave Your Hat On» – music by Randy Newman – perf. by Randy Newman
La verdad es que cuando uno ve la interpretación de Newman (ver vídeo anterior) resulta inentendible cómo alguien pudo considerar esta canción para integrarla en la banda sonora de una película y, más aún, cómo pudieron pensar que podía encajar en la escena del striptease de Basinger. Vamos, concretamente, la versión de Newman es pésima y, a primera vista (o escucha), había que tener una gran imaginación para elegirla. Impresiona el acierto y la visión.
Newman reconoció que algunas asociaciones de mujeres habían manifestado su malestar por la canción. También admitió que, con el paso del tiempo, había empezado a tomarse más en serio su contenido. Le sorprendía, en cualquier caso, que una composición concebida desde cierta perspectiva humorística acabara siendo interpretada como una declaración erótica completamente literal. La diferencia entre la intención del autor y la recepción posterior constituye una de las claves de su historia.
JOE COCKER TRANSFORMA LA IRONÍA EN UNA DECLARACIÓN DE SENSUALIDAD
La versión que se escucha en 9 semanas y media fue interpretada por Joe Cocker, uno de los cantantes más reconocibles del rock y el soul británicos. Nacido en Sheffield en 1944 como John Robert Cocker, adoptó el apodo de «Joe» por su juego favorito de la infancia, llamado Cowboy Joe. El origen de su trayectoria musical se remonta a sus doce años, cuando debutó en la banda de su hermano mayor que tocaba skiffle, un tipo de música originada por trabajadores pobres negros en Estados Unidos en la década de 1920, basada en armonías sencillas y ejecutada con instrumentos acústicos, baratos y caseros, y que evolucionó hasta convertirse en una mezcla de blues, jazz y folk.
Ray Charles, Lonnie Donegan y leyendas del blues como John Lee Hooker, Muddy Waters, Howlin’ Wolf y Lightnin’ Hopkins, fueron las primeras influencias del joven Cocker que sentaron las bases de una carrera que abarcó más de cinco décadas. En 1960, formó su primer grupo, The Cavaliers, que duró un año, tras lo cual Cocker adoptó el nombre artístico de Vance Arnold, cuyo origen proviene de una confusión entre Vince Everett (no Vance), el personaje de Elvis Presley en Jailhouse Rock (1957), y el cantante country Eddie Arnold.
Así, Vance Arnold and the Avengers fue su segunda banda, con la que empezó a tocar en pubs de Sheffield. En 1963, la banda tuvo su primera actuación importante como telonera de los Rolling Stones, marcando el inicio del ascenso de Cocker en la escena musical, que se consolidaría cuando nada menos que The Beatles impulsaron su carrera solista.
La relación de Cocker con los Fab Four se remonta a 1964, cuando grabó una de sus canciones, «I’ll Cry Instead» como primer sencillo en solitario para Decca Records, con Jimmy Page (Led Zeppelin) en la guitarra. Su versión de la canción fue un fracaso, pero Cocker no se rindió y formó la Grease Band en 1966.
Dos años después, llamó la atención de Denny Cordell, productor de Procol Harum y The Moody Blues, que le consiguió un contrato con A&M Records, discográfica con la que grabó su álbum debut, With a Little Help from My Friends, que incluía una interpretación del tema homónimo de los Beatles (Page fue otra vez el guitarrista). Años más tarde, esta versión de la canción sería usada como cabecera de la serie televisiva The Wonder Years (1988-1993).
La consagración internacional le llegaría a Cocker en 1969, cuando esa versión de «With a Little Help from My Friends», se convirtió en una de las actuaciones más recordadas de Woodstock, festival al que lo había llevado Cordell. Impresionados por la interpretación de Cocker, los Cuatro de Liverpool le permitieron grabar otros dos temas suyos para su segundo álbum, Joe Cocker! (1969): «She Came in Through the Bathroom Window» y «Something», a las que la voz raspada y apasionada de Cocker dotó de una calidad distintiva, añadiendo una nueva dimensión a clásicos de una de las bandas más grandes del momento.
Cocker, también conocido como Soul Shouter de Sheffield, construyó su reputación gracias a esa voz áspera, profunda y extraordinariamente expresiva. Su manera de cantar, marcada por los desgarros vocales, los cambios de intensidad y una interpretación física muy personal, resultaba especialmente adecuada para canciones que necesitaban transmitir tensión emocional. A lo largo de su carrera había demostrado una enorme capacidad para apropiarse de composiciones ajenas y transformarlas en algo reconocible como propio. «You Can Leave Your Hat On» sería uno más de esos ejemplos, pero quizás el más exitoso.
La cosa es que a alguien de la producción de la película se le ocurrió que Cocker podía versionar la canción de Randy Newman y darle la vitalidad que no tenía. Lo llamaron, le mostraron la versión de Newman y Cocker se puso manos a la obra, haciendo arreglos con sus músicos y presentando una nueva y vigorosa versión que fue inmediatamente aprobada por los realizadores del filme.
«La canción surgió por la película 9 semanas y media», contó Cocker en una entrevista del diario Tiempo Argentino en marzo de 2012. «Es un tema de Randy Newman. La producción me la acercó y cuando escuché la versión de Randy era más lenta. Hicimos algunos arreglos y con la escena de Kim Basinger era imposible que salga mal».
La grabación utilizada en 9 semanas y media se realizó en 1985 y fue producida por Richie Zito y registrada en Ocean Way Recording, en Hollywood. El propio Zito participó en la canción como guitarrista, acompañado por una sección de metales integrada por Dick Hyde, Steve Madaio y Joel Peskin. Arthur Barrow se encargó del bajo y los sintetizadores, Michael Baird de la percusión y Maxine Sharp, Julia Waters y Maxine Waters de los coros. La canción apareció en el álbum Cocker, publicado en febrero de 1986 en los Estados Unidos.
La combinación de estos músicos permitió construir una versión mucho más musculosa y expansiva que la interpretación original de Newman, que como vimos era verdaderamente muy insulsa y desganada. El cambio más significativo, sin embargo, estaba en la voz. El propio Randy Newman explicó que había grabado la canción en la tonalidad de «mi», mientras que Cocker la interpreta en «do». La diferencia suponía una transformación considerable en el registro y en la manera de abordar el personaje.
Newman recordaba que su interpretación original era más furtiva, casi un murmullo, mientras que Cocker llevaba la canción a un registro que le permitía desplegar toda su potencia vocal. Incluso reconoció que, después de escuchar el resultado, le habría gustado haberla grabado también en «do», ya que en esa tonalidad su interpretación habría tenido mucha más fuerza.
9 SEMANAS Y MEDIA
En 1986, Adrian Lyne dirigió 9 semanas y media, protagonizada por Kim Basinger y Mickey Rourke. La película narraba la relación entre Elizabeth, una empleada de una galería de arte, y John, un hombre de negocios cuya forma de relacionarse con ella estaba marcada por el juego psicológico, la seducción y la progresiva pérdida de control.
El filme se convirtió en uno de los títulos más representativos del erotismo cinematográfico de los años ochenta. Su tratamiento visual, la utilización de la música popular y la construcción de situaciones cargadas de tensión sexual contribuyeron a definir una estética que tendría una influencia considerable en el cine comercial posterior. En ese contexto, la secuencia del striptease protagonizado por Kim Basinger encontró en la grabación de Joe Cocker su acompañamiento perfecto.
La escena juega con la iluminación, las sombras, las persianas y los movimientos de la actriz. Elizabeth va despojándose de su ropa mientras John observa. La cámara no necesita mostrarlo todo: buena parte del erotismo nace precisamente de lo que se oculta, de la anticipación y de la relación entre los movimientos de Elizabeth y las instrucciones que transmite la voz de Cocker a través de la canción, que funciona casi como un diálogo entre ambos personajes, aunque solamente escuchamos una voz masculina. Cada indicación musical parece formar parte de la coreografía y cada repetición del estribillo prolonga la tensión.
Existe, además, una pequeña incongruencia que se ha convertido en una anécdota muy comentada: la canción insiste en que la mujer puede conservar el sombrero, pero Kim Basinger no lleva ninguno durante la secuencia. La asociación entre canción y película fue tan poderosa que, para millones de espectadores, ambas terminaron siendo prácticamente inseparables.
UN SOMBRERO DIFÍCIL DE CALZAR
Aunque ahora, a la distancia, y conociendo el extraordinario éxito de la canción asociada a la película, pudiera resultar insólito, lo cierto es que los realizadores de la película tuvieron enormes dificultades para encontrar una discográfica que quisiera publicar su banda sonora.
Según informó Patrick Goldstein en Los Angeles Times, el 2 de febrero de 1986, Geffen Records había renunciado a los derechos del álbum después de que John Kalodner, ejecutivo de A&R (1) de la compañía, manifestara su rechazo a la película por considerarla ofensiva para las mujeres. Finalmente, Capitol Records se hizo cargo del proyecto, y su ejecutivo de A&R, Stephen Powers, fue el responsable de reunir el material musical para el álbum.
Powers tenía una opinión muy diferente de la de Kalodner, pues consideraba que el erotismo de la película estaba más presente en la imaginación del espectador que en lo que realmente aparecía en pantalla. El proceso tampoco estuvo exento de dificultades: los numerosos montajes y modificaciones realizados durante la preparación del filme obligaron a descartar algunas canciones inicialmente previstas.
El álbum definitivo incluyó «I Do What I Do», interpretada por John Taylor de Duran Duran, además de aportaciones de Devo, Stewart Copeland, Luba, Corey Hart, Eurythmics, y Bryan Ferry de Roxy Music. La versión de «You Can Leave Your Hat On» quedó asociada a la secuencia de striptease de Basinger y fue uno de los grandes reclamos musicales de la banda sonora.
TÓTEM DE LA SENSUALIDAD
Musicalmente, la versión de Joe Cocker se apoya en una estructura de rock con fuertes influencias del soul y del rhythm and blues. Su tempo medio permite desarrollar una sensación de movimiento constante sin necesidad de acelerar el pulso. La canción no busca una explosión inmediata, su eficacia depende de la acumulación progresiva de tensión.
La base rítmica apoyada en un piano insistente establece un movimiento firme, casi hipnótico, mientras el bajo y la batería sostienen el conjunto con una regularidad que permite que la voz se sitúe en primer plano. No hay una sucesión vertiginosa de cambios, la repetición es precisamente uno de los recursos que construyen su carácter sensual.
Los metales refuerzan los momentos de mayor intensidad, especialmente el saxo, instrumento de la «sensualidad» por excelencia, y los arreglos de esta sección contribuyen a darle un aire de soul clásico, con una sonoridad que remite a las grandes producciones estadounidenses del rhythm and blues. Por su parte, la presencia de los coros femeninos añade aún más sensualidad y cuerpo, haciendo que el estribillo adquiera una dimensión casi ceremonial. Pero el elemento verdaderamente determinante de la canción es la voz de Cocker.
Su interpretación no es la de un cantante que se limita a entonar una melodía. Cada frase parece pronunciada desde una proximidad física con la persona a la que se dirige, alterna la contención con los estallidos vocales, juega con las pausas y estira determinadas palabras para aumentar la expectación. El resultado es una mezcla de autoridad, vulnerabilidad y una cierta tosquedad. No transmite la elegancia de un seductor sofisticado, sino una energía mucho más visceral.
Desde el punto de vista melódico, la canción se construye sobre frases relativamente sencillas y reiterativas. Esta simplicidad permite que la atención se concentre en el ritmo, la voz y el significado de las palabras. El estribillo, basado en la repetición del título, actúa como un elemento de anclaje, y esa insistencia le da un carácter casi hipnótico.
La repetición también tiene una función cinematográfica: permite que los movimientos de la protagonista se desarrollen sin que la música necesite introducir nuevos acontecimientos constantemente. En definitiva, «You Can Leave Your Hat On» es una canción que demuestra cómo una estructura musical relativamente sencilla puede generar una enorme tensión dramática cuando se combinan adecuadamente el ritmo, la interpretación vocal y el contexto visual.
UNA CANCIÓN MÁS GRANDE QUE SU PROPIA HISTORIA
La utilización de «You Can Leave Your Hat On» en 9 semanas y media tuvo una repercusión internacional que sorprendió incluso a su compositor. Randy Newman reconoció que la película había contribuido a recuperar la canción y a darle una difusión extraordinaria, especialmente en Europa. Según sus propias palabras, el éxito europeo de 9 semanas y media fue tan importante que terminó teniendo repercusión prácticamente mundial.
YOU CAN LEAVE YOUR HAT ON - Letra en inglés y en español
Baby take off yer coat, real slow
An’ take off yer shoes, ah!, take off yer shoes.
Baby take off yer dress, yes, yes, yes.
You can leave your hat on, you can leave your hat on,
You can leave your hat on.
Go over there, turn off the lights, lay off the lights!
Come over here, stand on that chair, yes that’s right.
Raise your arms up in the air, an’ now shake ‘em.
You give me reason to live, you give me reason to live,
You give me reason to live, you give me reason to live!
Sweet darlin’ (you can leave your hat on).
You can leave your hat on, baby! (you can leave your hat on).
You can leave your hat on, (you can leave your hat on).
(You can leave your hat on).
Suspicious minds keep talkin’, they’re tryin’ to tear us apart.
They don’t believe in this love o’ mine.
They don’t know what love is, they don’t know what love is,
They don’t know what love is, they don’t know what love is.
But I know what love is.
Oh! there ain’t no way, (you can leave your hat on).
You can leave your hat on, baby why?, (you can leave your hat on).
Give me a reason to live. (you can leave your hat on).
You can leave your hat on. I’m not outta stone!.
Nena sácate la ropa, muy lento
Sácate los zapatos, ah; Te sacaré los zapatos
Nena, sácate el vestido, Sí, sí, sí
Puedes dejarte el sombrero puesto, Puedes dejarte el sombrero puesto
Ve allá, prende la luz. Hey, todas las luces
Ven aquí, siéntate en esta silla. Sí, está bien
Levanta tus brazos. Ahora agítalos
Me das una razón para vivir
Me das una razón para vivir
Dulce amada (puedes dejarte el sombrero puesto)
Puedes dejarte el sombrero puesto
Nena (puedes dejarte el sombrero puesto)
Puedes dejarte el sombrero puesto
(Puedes dejarte el sombrero puesto)
Las mentes sospechosas están hablando.
Están tratando de separarnos
No cree en mi amor
No saben lo que es el amor
No saben lo que es el amor
No saben lo que es el amor
No saben lo que es el amor
Sí, yo sé lo que es el amor
No hay otra manera
(Puedes dejarte el sombrero puesto)
Puedes dejarte el sombrero puesto
(Puedes dejarte el sombrero puesto)
Dame una razón para vivir
Puedes dejarte el sombrero puesto
Pero la historia no acabó ahí. En 1997, once años después del estreno de la película de Adrian Lyne, la canción volvió a convertirse en protagonista de otra secuencia de striptease cinematográfico, pero de un cariz un tanto diferente, y esta vez fue nada menos que el gran Tom Jones quien la interpretó para The Full Monty (1997), la comedia británica dirigida por Peter Cattaneo que popularizó a Robert Carlyle.
«La grabamos en una tarde, en un día libre, mientras estaba de gira por el Reino Unido», recordó Tom Jones. «La compositora Anne Dudley se encargaba de la música. Tenían la versión de Joe Cocker de “You Can Leave Your Hat On”, pero al director le parecía que su interpretación era un poco demasiado seria. ¿Quién iba a imaginar que esta película tendría el éxito que tuvo? Se suponía que iba a ser una pequeña película británica de bajo presupuesto, pero se convirtió en un éxito mundial, así que me emocionó mucho formar parte de ella».
«You Can Leave Your Hat On» – music by Randy Newman – perf. by Tom Jones
La utilización de la canción en ambos filmes demuestra su extraordinaria versatilidad. En 9 semanas y media acompaña un striptease íntimo, sensual y cargado de tensión psicológica. En The Full Monty se transforma en el acompañamiento de un espectáculo colectivo, cómico y desinhibido. Dos películas muy diferentes, dos interpretaciones distintas y una misma composición.
Aquella inesperada popularidad demuestra que las canciones pueden adquirir vidas completamente independientes de las intenciones de quienes las escriben. La trayectoria de «You Can Leave Your Hat On» es un ejemplo extraordinario de cómo una canción puede cambiar de significado a través de sus intérpretes y de su utilización cinematográfica.
Randy Newman había escrito una pieza irónica sobre un personaje que intentaba comportarse como un gran seductor. Joe Cocker encontró en ella una oportunidad para desplegar su extraordinaria capacidad vocal y convertirla en una interpretación de intenso contenido emocional. Adrian Lyne, por su parte, encontró el acompañamiento perfecto para una escena que necesitaba transmitir sensualidad, provocación y tensión sin recurrir a explicaciones.
El resultado fue una de esas asociaciones entre música e imagen que permanecen en la memoria colectiva mucho después de que hayan terminado los créditos. Y quizá lo más curioso sea que el sombrero que da título a la canción terminó siendo musicalmente mucho más importante que cualquier otra prenda de vestir de la que pudiera desprenderse Kim Basinger en el striptease más famoso de la historia del cine. Más aún porque ese sombrero nunca existió. Aquella ocurrencia de Randy Newman se convirtió, catorce años después de su publicación, en uno de los símbolos eróticos más reconocibles del cine de los ochenta.
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